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Culture
로버트 라우센버그의
예술적 서사
‘유명한 미술가=거장’ 또는 ‘실험적 미술=정치적 미술’이라는 공식을 잠시 제쳐둘 때, 비로소 진정한 예술의 역할에 대한 고민이 시작된다.
1975년 9월 4일 베니스에서 전시 개최를 앞두고 준비 중인 로버트 라우센버그의 모습
예술의 영웅적 서사를 재조립하다
로버트 라우센버그는 미국의 ‘전후(postwar) 미술 신화 만들기 프로젝트’를 논하는 데 빠지지 않는, 전 지구적 커리어를 자랑하는 현대미술가다. 지난 12월 막을 내린 타데우스 로팍 서울의 전시 <코퍼헤드Copperheads 1985/1989>는 ‘로버트 라우센버그 해외 문화 교류 프로젝트(Robert Rauschenberg Overseas Culture Exchange, ROCI, 이하 로키 프로젝트)’ 의 일환으로 그가 생전에 방문한 칠레에서 촬영한 이미지와 금속 가공 기술을 활용한 다양한 1980~1990년대 작업을 선보였다. 작업 방식은 이렇다. 작가는 구리에 판화 기법 중 하나인 실크스크린으로 자신이 촬영한 칠레의 풍광을 콜라주하듯 배치해 복제한다. 이후 아크릴릭, 에나멜 페인트로 덧칠하거나 암모늄을 비롯한 변색 약품으로 화학작용을 일으켜 우연히 생겨난 자국을 남긴다. 이러한 일련의 작업은 작가의 끊임없는 실험 정신과 그 과정을 통한 ‘새로운 조형 언어의 발견’이라는 맥락으로 한국 관객들에게 소개되었다.아이러니하게도 라우센버그는 순수예술 영역의 안팎에서 이미 관습화 된 재현 방식과 실용화된 기술을 전략적으로 재조립함으로써 예술이 개인의 유일무이한 창조물이라는 영웅화된 서사를 명민하게 비틀곤 했다. 종종 그가 1950년대 초 미국 형식주의가 주창한 회화 매체의 순수성과 위대한 창조자로서의 예술가라는 모더니즘의 이데올로기에 의문을 품은 포스트모더니즘을 대표하는 작가로 구분되는 이유다.
Robert Rauschenberg
Copperhead-Bite VI / ROCI CHILE,
1985, Silk screen ink, acrylic, and
tarnish on copper 245.6×123.8cm
Courtesy Thaddaeus Ropac gallery
London·Paris·Salzburg·Seoul photo:
Ronald Amstutz
©The Robert Rauschenberg Foundation
매장에서 만나요
Hawk-Eyed (Copperhead), 1989,
Silk screen ink, enamel and tarnish on
copper with bronze frame 123.8×245.7cm
Courtesy Thaddaeus Ropac gallery
London·Paris·Salzburg·Seoul
Photo: Cho Hyunjin
©The Robert Rauschenberg Foundation
매장에서 만나요고급 예술 영역을 침범하다
라우센버그의 초기 작업은 그와 동시대에 활동했던 재스퍼 존스Jasper Johns의 ‘채색된 브론즈(에일 캔)(Painted Bronze(Ale Cans))’(1964), 앤디 워홀Andy Warhol의 ‘캠벨 수프 연작(Campbell’s Soup)’(1968)이 그러했듯, 고급 예술 영역을 의도적으로 ‘침범’하는 것을 목표로 했다.추상회화의 대표 주자 윌렘 드 쿠닝의 드로잉을 지운 후 액자에 끼운 ‘지워진 드 쿠닝 드로잉(Erased de Kooning Drawing)’(1953), 자신이 실제 사용하던 베개와 이불에 유화물감을 덕지덕지 칠한 후 벽에 걸어 전시했던 ‘침대(Bed)’(1955), 뉴욕 거리를 돌아다니며 주운 캔버스, 고무 신발 굽, 테니스공, 나무판자 등 발견된 오브제로 받침대를 꾸미고, 그 위에 길거리에서 주운 염소 박제에 폐타이어를 끼워 세워놓은 ‘모노 그램Monogram’ (1955~1959)이 대표적인 예다.
다시 말해 라우센버그의 초기 작업은 아무것이나 주워 모아 만든 ‘쓰레기 미학(junk aesthetics)’ 또는 이것저것 조잡하게 갖다 붙였다고 해서 컴바인 페인팅(combine painting)이라는 형식주의 용어를 통해 이해되기도 하지만, 실은 미술계 내부자들의 지적인 농담으로 가득 차있다. 특히 20세기 초 유럽 아방가르드를 대표하는 다다Dada 예술운동 의 명칭이 쓰인 나무판자를 물감을 뒤집어쓴 염소가 밟고 있는 장면을 연출한 ‘모노그램’을 주목해보자. 받침대로 활용한 나무판자들은 유럽 아방가르드의 저문 영광을, 그 위에 놓인 염소는 우상화된 미국 추상표현주의를 상징한다고 볼 수 있다. 이러한 까닭에 비록 라우센버그를 비롯한 이른바 포스트모던 작가들이 ‘검소한’ 재료를 사용하거나 일상용품을 예술의 영역으로 끌어들였다고 하더라도, 결국은 그들만이 이해 하는 미술 계보를 시각화한 것이나 다름없다. 이 때문에 모더니즘의 엘리트주의를 더욱 공고히 했다는 점이 지적되기도 한다.변화의 가능성에 주목하다
1960년대 이후 미술의 자기-지시적 성향에 대한 논의에는 더욱 본질적 인 쟁점이 있다. 예술의 의미와 역할의 간극, 즉 예술적 행동주의의 낙관론이 ‘과연 얼마나 의미 있는 변화를 가져올 수 있는가?’에 대한 질문 이다. 예를 들어 누군가는 라우센버그가 사진기를 통해 담아낸 종교 도상, 후미진 가게의 가판대, 건축물, 벽의 낙서, 새, 사막, 선인장, 지역의 토종 음식 등 칠레의 풍경을 자신의 작업 ‘코퍼헤드’ 연작에 활용함으로써 지역의 문화적 특성을 존중한 것이라 말할지 모른다. 또는 라우센버 그가 이국적 풍경을 미화하기보다 의도적으로 난해하게 병치하거나 부식된 효과를 통해 해체시킴으로써 당시 칠레의 정치·사회적 혼란을 담아냈다고 해석할 수도 있다.실제로 라우센버그 스스로도 구리를 활용한 것은 칠레가 최대 구리 생산국이라는 지역의 특성을 반영한 것이라고 설명한다.
ROBERT RAUSCHENBERG, COUSINS (COPPERHEAD), 1989, SILK SCREEN INK AND ACRYLIC ON COPPER WITH COPPER OBJECT AND BRASS CHAIN, 173.5×281.5CM, OVERALL ©THE ROBERT RAUSCHENBERG FOUNDATION
“
예술이란 단순히 개인의
실험 정신, 휴머니즘 또는
거대한 체제에 저항하는
무모한 행동주의의 결정체가
아니다.
”
Robert Rauschenberg, Coca-Cola Plan, 1958
Combine: graphite on paper, oil on three Coca-Cola bottles, wood newel cap, and cast metal wings on
wood structure 67.9×64.1×12.1cm
©The Robert Rauschenberg Foundation
매장에서 만나요
1 Robert Rauschenberg, Time Magazine Cover with Deng Xiaoping “Man of the Year”, January 6-1986 ©The Robert Rauschenberg Foundation
2 Robert Rauschenberg, Postcard sent from China by Robert Rauschenberg to staff at his 381 Lafayette Street studio, New York, 1982
©The Robert Rauschenberg Foundation
Robert Rauschenberg working on 7 characters series, Xuan Paper Mill, Jiingxian, China, June 1982
©The Robert Rauschenberg Foundation
실험적 예술의 정치적 기여 가능성
냉정하게 생각해보아야 할 것은 이른바 실험적 예술의 정치적 기여 가능성이다. 과연 그의 재현은 구리와 인광석이 가득한 영토를 바탕으로 경제적 이득을 취한 칠레와 최빈국이 된 볼리비아의 역사적 갈등 또는 독재 정권에 저항했던 대규모 시위와 시민의 희생에 대한 대중의 이해에 어떤 기여를 했을까. 그리고 얼마나 실질적인 변화를 이끌어냈을까.위대한 철새
미술사가 이케가미 히로코Hiroko Ikegami는 라우센버그의 예술적 커리어를 “위대한 철새”의 여정에 비유한다. 흥미로운 점은 이케가미가 들려주는 이야기가 뉴욕에서 활동한 라우센버그의 ‘영웅화된 서사’를 전복시키는 사건들로 가득하다는 것이다. 예를 들어 1960년대 머스 커닝햄 무용단의 무대의상 디자이너로 방문했던 도쿄는 당시 전 지구적 아방가르드 네트워크의 중심지였으며, 커리어의 발전적 계기로 알려진 음악가 존 케이지와의 파트너십이 소원해지고 나서야 대대적인 로키 프로젝트를 맡게 되었다는 점만 봐도 그렇다. 또 앞서 언급한 ‘모노그램’이 스톡홀름 미술관의 소장품이 된 것은 순전히 작품의 미적 가치 때문이 아니라, 당시 미술관을 총괄한 폰투스 훌텐Pontus Hulte´n의 지휘하에 미국 작품을 소장함으로써 유럽 내 입지를 회복하기 위한 스웨덴 의 전략이었다는 에피소드도 있다. 라우센버그를 둘러싼 반영웅적 서사는 예술을 바라보는 확장된 시각을 제시한다. 예술이란 단순히 개인의 실험 정신, 휴머니즘 또는 거대한 체제에 저항하는 무모한 행동주의의 결정체가 아니기 때문이다. 라우센버그가 철새로서의 여정을 통해 얻게 된 ‘위대함’이란, 냉전 시대 이후 더욱 교묘해진 미국 정부의 문화 외교 정책을 이어 자국 미술의 위대함을 알리려 했던 주변부의 상호 능동적 참여를 통해 구축된 것이라 볼 수 있다. ‘유명한 미술가=거장’ 또는 ‘실험적 미술=정치적 미술’이라는 공식을 제쳐둘 때 비로소 예술의 역할에 대해 재고할 수 있다. ARTIST PROFILEROBERT RAUSCHENBERG, 1925~20081925년 10월 미국 텍사스주에서 출생, 60여 년간 팝아트 작가이자 화가로 활동했다. 발견된 오브제와 액션 페인팅 을 결합한 컴바인 페인팅을 창조하고, 새로운 소재와 기술에 대한 끊임없는 실험 정신을 펼쳤다. |
writerJon Ihnmi 메인 칼리지 오브 아트 앤 디자인 초빙 교수editorKim Minhyung
